1970 provou ser um ano frutífero para os Beatles solo, George Harrison lançando seu gigante ‘All Things Must Pass’, Paul McCartney fazendo sua surpreendente estreia em casa e John Lennon expressando sua alma de uma forma que ele nunca igualou novamente. ‘Plastic Ono Band’, uma compilação de trinta anos de raiva lançada em disco, provou ser um álbum fascinante, reacendendo o gosto de Lennon pela víbora, o iconoclasta e o letal em igual medida.
Mais simplificado do que os álbuns dos últimos dias dos Beatles, o disco demonstrou o trabalho de guitarra de Lennon (sem o Harrison mais talentoso aqui, Lennon mostra o quão louvável guitarrista ele era), a bateria de Ringo Starr (Starr raramente soava tão bem) e Klaus Voorman no baixo (havia rumores infundados de que ele tomaria o lugar de McCartney nos Beatles, embora Voorman gravasse “I’m The Greatest” com Lennon, Harrison e Starr em 1973). Encantado com o trabalho de Phil Spector em “Let It Be” (um contraste de noventa graus com Paul McCartney), Spector foi convidado para Abbey Road para co-produzir a estreia de Lennon (embora mais tarde tenha surgido que o álbum foi principalmente a acusação de Lennon e Yoko Ono). ), tocando um belo piano na única música cheia de descanso do álbum, “Love”.
Cortada do mesmo tecido sísmico de “Across The Universe” dos Beatles, “Love” era uma música carregada de simplicidade instrumental, com ênfase na pureza das palavras, cuja abertura Freddie Mercury transporia para “Hot Space” do Queen. A vida é real’.
Em outro lugar, o álbum uivou com a ferocidade e a raiva que apenas trinta anos de desilusão poderiam conferir. Depois de deixar os Beatles, Lennon e Ono passaram por Primal Scream Therapy sob a supervisão de Arthur Janov. Realinhado com os traumas da infância, Lennon deu à abertura do álbum “Mother” e à “My Mummy’s Dead” um lastro de performances vocais excruciantes. “Mãe, você me teve/mas eu nunca tive você” continua sendo uma das formas mais incríveis de abrir um disco.
“I Found Out”, um ataque perverso à natureza insincera dos ideais hippies dos anos setenta, tem um chute, ardente em suas letras, irritante em sua música, seu gancho de guitarra um guia para Steve Jones e Johnny Ramone aperfeiçoarem. Se “Found Out” precedeu o punk, “Well Well Well” precedeu o grunge; pode-se facilmente confundir a mordida ácida de Lennon com a de Kurt Cobain.
‘Look At Me’, escolhida a dedo com o mesmo verniz de algumas de suas baladas acústicas de ‘White Album’, Lennon sozinho em seu violão traz desolação, o ditado de que a composição deve ser três acordes e a verdade em primeiro plano. Se ‘Look’ soou algo perto do osso, empalideceu em comparação com o desespero crasso de ‘Isolation’, a mistura esparsa de Spector de espaçoso e claustrofóbico (o antigo amante de Lennon Roger Waters olhou para ‘Plastic Ono Band’ como um modelo para o mix de ‘Dark Side of The Moon’). Uma das melhores canções de Lennon, seus covers variavam do pop star esotérico Snow Patrol à graciosa interpretação da dançarina Marianne Faithful.
“God” provou ser a mais iconoclasta, uma balada de quatro minutos na qual ele atacou a validade da religião, antes de expor o resto da música a tudo em que não acreditava; Viagem de campo, ioga, Zimmerman e, o mais alarmante, os Beatles.
“Eu apenas acredito em mim mesmo”, ele retruca, suspirando de alívio, o mundo em seus ombros. “Eu era a morsa/mas agora, sou John”, ele canta com confiança e convicção. E sim, é.
Porque ninguém poderia confundi-lo com um disco dos Beatles (sua sequência “Imagine”, com seu som decididamente mais completo e sabor comercial poderia ter sido). Só a vulnerabilidade e a tagarelice de Lennon poderiam dar vida a um álbum como ‘Ono’, um dos exemplos mais puros de soul em vinil.
Última atualização em 31 de dezembro de 2022
